prosdo.ru
добавить свой файл
1
Вопрос № 16


Европейские концертно-театральные программы ХVIII-ХХ вв.

К зрелищным видам искусства относятся: театр, цирк, эстрада, массовые праздники, кино, телевидение. Зрелищные виды искусства предполагают активное зрительское восприятие. Концерт (лат. concertо — состязаюсь) — публичное исполнение музыкальных произведений, балетных, эстрадных номеров по определённой, заранее составленной, программе.

Предшественниками концерта можно считать разного рода состязания древней Греции и Рима, в том числе и в художественно-исполнительском искусстве. В эпоху Возрождения (XIV - XVI вв.) и до второй половины XVIII в. концерт был прерогативой аристократии и носил музыкально-исполнительский характер. Отличительная черта эпохи Возрождения - светский характер культуры. В это время строятся специальные помещения для зрелищ: театры, концертные залы. При дворцах устраиваются маскарады, балы, водные феерии. Большой популярностью у знати пользовалась форма закрытого концерта, связанная с придворным бытом и рассчитанная на небольшой круг специально приглашенных лиц. Здесь были возможны остановки, повтор, обмен мнениями во время исполнения.

Первые публичные концерты возникли на рубеже XVII – XVIII вв. в Лондоне и Париже, и были исключительно музыкальными. В них звучали популярные для того времени произведения, привлекающие внимание аудитории.

В конце XVIII в. в драматических театрах, после окончания сыгранной пьесы, публике стали предлагать дивертисмент, в котором актеры и приглашенные артисты показывали номера различных жанров. В XIХ в. дивертисмент превращается в спектакль-ревю, где занято много участников.

В начале XIХ в. во Франции появляются кафе-шантаны (маленькие закрытые кафе) - где сочеталось застолье и выступления артистов. Где-то играл скрипач, где-то выступал певец, фокусник, артист пантомимы.

В середине XIХ в. мелкие кафе стали вытесняться масштабными заведениями – кафе-концертами. Они имели богатый интерьер, большие залы, разнообразную программу. На Елисейских полях стали возникать открытые кафе-концерты. Они красочно освещались, там разыгрывались маленькие пьесы, показывались танцевальные и акробатические интермедии.


Аналогичный английский период почти ничем не отличается от французского. В середине XIХ в. в английских пабах выступали музыканты и актеры, в замках и дворцах продолжали проводить представления творческие коллективы, но принципиально новой формой развлекательного досуга оказались мюзик-холлы.

Первый мюзик-холл появился в 1832 г. в г. Болтоне. Самая яркая фигура в развитии жанра – Шарль Мортон – основатель нескольких лондонских мюзик-холлов. Самый известный из них - Кентерберийский он создал в 1848 г. Со временем обыкновенная концертная программа в мюзик-холле стала приобретать черты театрального зрелища. Появляется граница между публикой и исполнителями, занавес. Увеличение размеров сцены и зала потребовало в номерах массовости участников. Появляются танцевальные номера с яркими эффектными костюмами. В 1870-1890 гг. крупные парижские кафе-концерты, также стали называться мюзик-холлами.

В конце XIХ в. усложнение содержания номеров привело к появлению кабаре. Первыми номерами ранних кабаре были стихотворения (литературные пародии) и песни (шансон и куплеты). Большая роль отводилась конферансье, который общался с публикой, используя юмор и сатиру. Кроме этого в программе вечера – выступления коллег по искусству, полемика, дискуссии.

Датой появления первого кабаре считают 1881 г., когда в Париже на Монмартре открылся артистический «Чёрный кот». Его основатель - художник Родольфо Салис. В 1889 г. в Париже появляется одно из самых известных во всем мире кабаре «Moulin Rouge» (Красная мельница).

Считают, что исторически кабаре подразделяются на художественные, поэтические, сатирические, политические. Для современных кабаре характерно многообразие форм: от высокоинтеллектуальных до развлекательных.

На рубеже 1960-1970-х гг. возникают кафе-театры. Вначале это действительно театр в кафе. В них выступают драматические артисты сатирического и поэтического жанров. Публика – студенты, интеллигенция. Их появление связано с наличием большого числа безработных актеров и поиском новых форм театра. Публике предлагают ненавязчивые спектакли местных небольших трупп, специально заточенные под такие кафе, а также юмористические моноспектакли.


В середине ХХ в. появляется хэппенинг - театрализованное представление, в котором происходят события с участием художника. В основе его лежит незапланированное действие, осуществляемое художником при участии присутствующей публики. Хэппенинг обычно включает в себя импровизацию и не имеет четкого сценария, в отличие от перфо́рманса, в котором произведение составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. Основоположником хэппенинга, а также перформанса считают композитора Джона Кейджа, который в 1952 г. исполнил на сцене произведение-действие «4’33"» (4 минуты 33 секунды тишины).

Развитие научно-технического прогресса, открывает широкие возможности организации зрелищных форм. Шоу конца XX - начала XXI века построено на световых спецэффектах, ведущим среди которых становится лазер. Формируется лазерный театр - это «театр под небом», который успешно обходится не только без искусственных декораций, но и без актеров, преодолевая при этом любые расстояния в четырехмерном пространстве.

Вопрос № 17

Американский музыкальный театр ХIХ в.
Первые колонисты прибыли в Америку в 1607 г. Большинство переселенцев - английские пуритане - радикальная часть протестантов. Они привезли с собой крайне нетерпимое отношение к художественной литературе, преследовали музыку, театр. Театр был заклеймен, как «храмом дьявола».

В отличие от Севера, на Юге театральные представления получили широкое распространение (Вирджиния и Южная Каролина). В эти штаты из Европы прибывали в большом количестве различные театральные труппы и отдельные актеры. Их репертуар состоял из преимущественно комических номеров и включал короткие скетчи, музыкальные, танцевальные сценки, часто в довольно убогом исполнении.

Европейские тенденции развлекательности концертных программ, нашли свое продолжение и в Америке. Ведущим жанром американского музыкального театра ХХ в. стал мюзикл. Его появлению предшествовали жанры: балладная опера, минстрел-шоу, экстраваганца, бурлеск, водевиль, ревю, оперетта, которые активно развивались в ХIХ в.


Балладная опера – комедийная пьеса с большим количеством песен. Этот жанр возник в Англии. Музыка не была оригинальной. В основном использовались популярные мелодии. Все сколько-нибудь популярные английские пьесы этого жанра, становились известны и в Америке. Для балладной оперы характерно стремление к злободневности, использование элементов сатиры.

Минстрел-шоу. Первоначально минстрел-шоу представляли собой короткие комические сценки в исполнении белых актеров, загримированных под негров, которые пародировали их быт, музыку и танцы. Вначале пародию на негра исполнял один актер. Затем появились ансамбли, в которых участвовали четыре актера. Наиболее известные - «Вирджинские менестрели». Они пели, играли, танцевали, разыгрывали сценки пародийного характера.

К середине XIХ в. «театр менестрелей» достиг апогея своей славы. Труппа менестрелей обычно уже насчитывала до двенадцати, а то и более человек. В белых брюках, полосатых рубашках, во фраках и цилиндрах, в сопровождении духового оркестра они въезжали в город наподобие циркового парада. С 1870-х гг. в больших городах это искусство стало вымирать, но в провинции менестрели выступали вплоть до начала XX в.

Экстраваганца. Жанр экстраваганцы - французского происхождения. В Америку он был завезен в середине XIX в. итало-французской труппой. Название жанра обозначало экстравагантные, необычные, фантастические представления, полные сценических эффектов, с песнями, танцами и цирковыми аттракционами. Действие в экстраваганцах большей частью происходило в волшебном мире духов. Классическим образцом экстраваганцы стал поставленный в 1866 г. в Нью-Йорке спектакль «Злодей-мошенник». Постановка представляла собой пятичасовой спектакль, в котором были такие сценические эффекты и трюки, как ураган в горах, шабаш ведьм, карнавал, маскарад, ангелы и т.д. «Злодей-мошенник» положил начало традиции пышных эффектных зрелищ с музыкой, пением и танцами, которая явилась одним из источников мюзикла.


Бурлеск прибыл из Европы в виде популярных песен, комических номеров, пародий, игривых диалогов с эротическим подтекстом и танцевальных эротических фрагментов. В таком виде он просуществовал в Америке почти без изменений до 1868 г. В этом году одна английская труппа построила все шоу полностью на эротике. В бурлеске, как правило, все роли, в том числе и мужские, исполнялись женщинами, а сценические эффекты уступали экстравагацам.

Водевиль (варьете) был излюбленным зрелищем американской публики на рубеже XIX и XX вв. Американский водевиль не был похож на европейский. Если европейский водевиль представлял собой пьесу, «разбавленную» музыкальными вставками (песнями и танцами), то американский был просто набором эстрадных номеров.

Ревю. Ревю и водевиль - близнецы. Оба представляют собой каскад словесных, музыкальных, танцевальных и акробатических номеров. Однако в водевиле, сюжет не играл существенной роли, а постановщики ревю, наоборот, стремились найти ясную, четкую тему, связывающую отдельные, разрозненные номера.

Оперетта. Большое влияние на мюзикл оказала европейская оперетта. Практически до конца XIX в. в США не было своей оперетты. В основном, исполнялись сочинения парижских, лондонских и венских композиторов. Первая известная американская оперетта «Робин Гуд» была поставлена в 1890 г. Композитор - Реджинальд де Ковен.

Джаз оказал свое влияние на мюзикл. Джазовое мышление объединило все, не слишком отличающиеся друг от друга музыкально-зрелищные жанры на новых принципах. Изменение характера музыки неизбежно повлекло и принципиальное изменение драматургической основы. Так, на пересечении несоединимых художественных направлений возник мюзикл.

Существует две исторически сложившиеся модели музыкального театра. Первая – государственная (придворно-аристократическая), вторая - коммерческая. В Европе (за исключением Англии) преимущественное положение получила первая модель, а в Америке – вторая.


Южные американские штаты испытали огромное влияние английской культуры. Европейские труппы, приезжавшие в Америку в ХVIII - ХIХ вв. были коммерческими предприятиями. И эта тенденция нашла свое продолжение в Америке. Американский музыкальный театр своим развитием в значительной степени обязан тому, что оказался прибыльным делом.

В Европе с понятием «театр» связывают представления о собственном здании, постоянной труппе, о текущем репертуаре и т.д.

В Америке преобладают театры одной постановки. Их труппа формируется только для одной пьесы, которая идет каждый вечер, из года в год, пока у публики есть интерес.


Вопрос № 18

История мюзикла
Музыкальный театр в Америке - коммерческое предприятие, ориентированное на потребителя.

Мюзикл – музыкально-сценическое представление, в котором используются разнообразные выразительные средства музыкального, хореографического, драматического и оперного искусства. Почти вся история мюзикла протекала на американской земле. Предшественниками мюзикла были такие жанры, как народная опера, минстрел-шоу, оперетта, водевиль, бурлеск, ревю. При постановке мюзиклов часто используются массовые сцены с пением и танцами, нередко применяются различные спец. эффекты. По форме - чаще всего это двухактовый спектакль.

Исходной точкой нового жанра считают постановку «Black Crook» (1866 г.), где сплетались романтический балет, мелодрама и другие жанры.

Само слово «musical» впервые появляется в 1874 г. в постановке «Эванджелина».

Первая оригинальная музыкальная комедия «A Trip to Chinatown» была поставлена в 1890 г.

В начале ХХ в. музыкальный театр США всецело находился под европейским влиянием. Но именно в этот период зарождается новое направление - мюзикл, национальное как по содержанию, так и по форме.


Пионером этого направления стал актер, поэт и композитор Джордж Коэн (1878-1942). Он родился в семье странствующих актеров и с детства участвовал в спектаклях. В 1904 г. ему удалось добиться признания, создав музыкальную комедию «Малютка Джонни Джонс» об американском жокее (главную роль играл сам автор). Последовавшие за эти мюзиклы закрепили успех. Его персонажи были близки и понятны. Несложные мелодии легко воспринимались и запоминались. Публике импонировал патриотический дух, которым были проникнуты его мюзиклы. Коэну удалось стать основоположником американской музыкальной комедии. Даже то, что он один создавал сценарий, писал тексты песен, сочинял музыку, был продюсером, постановщиком, исполнителем главных ролей - тоже стало своеобразной традицией. К 1919 г. он достиг вершины славы. В дальнейшем, продолжал сочинять комедии, мелодрамы, мюзиклы, но прежнего блеска и успеха уже не было.

В 1910-1920-е гг. большой популярностью у публики пользуются ревю, оперетты, а также мюзиклы. В этом жанре работают Джером Керн, Дж. Гершвин, дебютируют В. Юманс, Р. Роджерс, К. Портер. Большинство мюзиклов были поверхностными, чисто развлекательными произведениями, рассчитанными на непритязательный вкус публики. Либретто часто представляли собой банальные получасовые скетчи. Партитура обычно состояла из отдельных мелодически приятных номеров, не объединенных в единую музыкальную цепь.

На общем фоне выделяется своей серьезностью и нетрадиционным подходом к жанру "Плавучий театр" (1927) Джерома Керна, который считают первым по-настоящему американским мюзиклом. Он считал что музыкальные номера являются продолжением действия и развитием образа героя, и песни должны соответствовать сюжету и настроению спектакля.

Биржевой крах в октябре 1929 г. изменил ситуацию. Пришел кризис. Бродвейские театры опустели. Людям стало не до развлечений. Развитие звукового кино и радио еще более усложнили ситуацию. В 1930-1940-е с Бродвея исчезло около десятка театров. Ведущих авторов переманил к себе Голливуд. Выяснилось, что экранизация музыкальных комедий пользуется успехом у публики. Театральные продюсеры Нью-Йорка поняли, что бродвейский мюзикл вынужден принять вызов, чтобы выжить. Для этого он должен был стать притягательнее, его текст - остроумнее, песни - органичнее связываться с действием, режиссура и актерская игра должны стать убедительнее, темы более близки к жизни.


Крупнейшей вехой в истории музыкального театра стала премьера «Оклахомы!» (1943) Р. Роджерса. В нем авторы нарисовали цельные и независимые характеры, органично объединили музыку, танец, диалоги. Именно в это время в системе выразительных средств мюзикла возрастает роль пластики и танца.

В 1950-1960-е гг. мюзикл обрел зрелость. Его тематика расширилась, оформились границы жанра. Авторы создавали мюзиклы по классическим драмам и современным романам, по комедиям, рассказам и киносценариям. По мотивам "Пигмалиона" Б. Шоу появляется мюзикл «Моя прекрасная леди» Ф. Лоу (1956); из «Ромео и Джульетты» У. Шекспира – «Вестсайдская история» Л. Бернстайна (1957).

Из мюзиклов, созданных в эти годы, мировую известность завоевали «Звуки музыки» Р. Роджерса (1959), «Хэлло, Долли!» Дж. Хермана (1964), «Скрипач на крыше» Дж. Бока (1964) и рок-мюзикл «Волосы» (1968) Г. Макдермота.

1960-е гг. стали высшей точкой в развитии американского мюзикла и одновременно началом его кризиса. В 1960-е гг. 5 Оскаров за лучший фильм получили мюзиклы. «Вестсайдская история» 1(961) получила 10 Оскаров, «Моя прекрасная леди» (1964) - 8 Оскаров, «Звуки музыки» (1965) - 5 Оскаров и др.

В 1970-е отчетливо видны два направления в американском мюзикле. Одно - "авангардное" ориентированно на рок-аудиторию. Другое - консервативное, направленно на проверенные образцы и стиль предыдущих десятилетий.

В дальнейшем пальма первенства в этом жанре переходит и Э. Л. Уэбберу. Он написал такие известные мюзиклы, как «Эвита» (1978), «Кошки» (1981), «Призрак в опере» (1986), который побил рекорд Бродвея. Он прошел 7486 раз.

Музыкальный театр Америки различает следующие разновидности жанра:

Musical Comedy – чуть больше, чем песенно-танцевальное шоу. Хотя присутствует сюжетная линия, но истории причудливы и даже нереальны. В таком стиле написано большинство классических мюзиклов. («Моя прекрасная леди»)


Musical Play – музыкальная пьеса, с глубоко разработанными сюжетными линиями и характерами героев («Вестсайдская история»).

Play with Music – пьеса, в которой совсем немного музыкальных номеров и танца.

Вопрос № 20

Этапы подготовки концертного номера
На предварительном этапе продюсером создается постановочная группа (режиссер, хореограф, художник, педагоги, костюмер и др.). Определяется идея номера (инициаторы – продюсер, режиссер, хореограф, артист) и его сценарная основа.

I этапвстреча продюсера с постановочной группой.

С членами постановочной группы обсуждают общий замысел номера, психофизические возможности артиста, оговариваются условия работы.

1. Разрабатываются индивидуальные планы работы с участниками постановочной группы:

- составление звуковой и световой партитуры номера;

- обсуждение пластического решения;

- разработка сценического оформления;

- обсуждение костюма, образного решения.

2. Определяется драматургия номера и приемы ее решения.

3. Решаются организационные вопросы:

- финансирование номера;

- создание репетиционного плана;

- определение технических возможностей.

II этап – индивидуальная работа участников постановочной группы с артистом.

Проводится индивидуальная работа педагогов с артистом (вокал, хореография, трюки). Самое существенное во время работы с артистом - эффективность проведения репетиций, выявление и развитие у артиста способностей в других жанрах, которые нужно использовать в создании номера.

1. Фиксируется сценарная основа

2. Определяется принцип контактности со зрительным залом

3. Ведется работа по решению технических вопросов

4. Определяются взаимоотношения с партнерами


5. Уточняется отбор необходимых средств выразительности.

III этап – соединение всех компонентов номера в условиях репетиционного помещения.

1. Уточняются детали по оформлению номера (костюмы, размещение реквизита, свет и цвет, трансформация деталей и т.д.).

2. Осуществляются прогонные репетиции с дальнейшим выходом на концертную площадку.

IV этап – корректура номера на концертной площадке.

1. Соединение действий артиста со всеми элементами номера, с деталями костюма и реквизита.

2. Устанавливается и фиксируется финальная композиция: поклоны, «бисовка», уход со сцены.

3. Окончательно устанавливается партитура света, направленность аппаратуры, баланс звучания.

4. Проверяются спецэффекты.

V этапгенеральные репетиции

1. В полной готовности и единой композиционной целостности всех элементов

2. Корректура по всей композиции

3. Прокат номера на различных зрительских аудиториях.

Период после сдачи номера: анализ, обсуждение, корректировка.

Четкую границу между этапами провести очень сложно, ибо творчество неподвластно железной логике.